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domingo, 4 de diciembre de 2016

Lectura de Blanco Sobre Blanco de Malevich

Malevich, Bañistas Vistas por Detras, 1908-09

Malevich, Bañista, 1911

Malevich, Carpintero, 1912

Lectura de Blanco Sobre Blanco de Malevich, Felipe, Molina

Gracias por tu pregunta Felipe, me gusta responder preguntas de lecturas de obras de arte famosas. Para entender más una obra de arte, es importante saber a qué movimiento pertenece y cual es lo importante de ese movimiento.

Malevich, Afilador de Cuchillo, 1912


Malevich, Cabeza de Niña Campesina, 1913

Malevich, Vaca y Violin, 1913



La obra Blanco Sobre Blanco, se encuentra en el MOMA de New York, mide 79.4 x 79.4 cm. Esta obra pertenece al movimiento Suprematismo, donde Malevich uno de los principales fundadores de ese movimiento. Malevich dijo, el arte del Suprematismo es sentimiento puro y sus obras eran destinadas a transmitir fenómenos contemporáneos como la sensación de vuelo y el sentimiento de desaparecer, la atracción magnética al simbolizar los avances tecnológicos en formas geométricas.

Malevich, Un Ingles en Moscu, 1914

Malevich, Suprematismo, Composicion Avion Volando, 1915

Malevich, Cruz Negra, 1915


Malevich crea esta obra sin sentido de, profundidad, volumen o color, y deja solo una figura geométrica monocromática. Por esa razón dentro del cuadrado hay otro cuadrado inclinado, que da la sensación que se está moviendo, porque la base del movimiento era, trasmitir sensaciones de vuelo y movimiento.

El Suprematismo fue el primer movimiento reducir la pintura a la abstracción geométrica pura.

Malevich, Plano Amarillo en Disolucion, 1917-18 

Malevich, Blanco Sobre Blanco, 1918

Malevich, Cruz Supremacista Hieratica, 1921
Malevich creía que la creación y recepción del arte era una actividad espiritual independiente, divorciada de cualquier noción de propósito político, utilitario o social.

Él sentía que este sentimiento místico o sensación, en contraposición a las emociones humanas, podría ser mejor transmitido por los componentes esenciales de la pintura pura que son, la forma y el color.

Malevich, Cuadrado Negro en Fondo Blanco, 1929

Desde su inicio Malevich paso por varios estilos, figurativo, cubista y futurista hasta llegar el Suprematismo. Malevich decía que el Suprematismo estaba basado en el Cubismo y el Futurismo, aunque no tenía ninguno de esos movimientos en su arte. Pero el Cubismo cuadraba todo y el Futurismo daba la sensación de movimiento en su arte. La suma de cuadrar todo y hacerlo mover, eso era el Suprematismo.

Malevich en 1929 hizo la obra Cuadrado Negro en Fondo Blanco, el cuadrado negro no está paralelo al borde blanco dando la sensación que se acaba de mover. Con esta obra Malevich juega con el observador, el blanco viene a ser casi el marco de la obra y el color negro es la ausencia de color. Esta obra viene a ser la culminación de su obra geométrica cuadrada.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.




Augusto Chimpen

lunes, 21 de marzo de 2016

Lectura de Noche Estrellada de Van Gogh

Van Gogh, Noche Estrellada, 1889

Vista desde el cuarto de Van Gogh en el hospital de Saint Remy

Hospital para enfermos mentales de Saint Remy

¿Me interesaría saber acerca de Noche Estrellada de Van Gogh, la composición, si es profunda, superficial, clara, oscura, abierta? Sofía, Barcelona, España

Gracias por tu pregunta Sofía.  Esta obra desde 1941 se encuentra en el MOMA de New York.  Van Gogh pinto este cuadro en junio del 1889 cuando estaba internado  por una crisis depresiva en el hospital para enfermos mentales en Saint Rémy en Francia. Es más Van Gogh tenia esta vista desde su ventana en el segundo piso de su habitación y el veía la salida del sol, como le cuenta  su hermano Theo en sus cartas.

"Esta mañana, desde mi ventana, he contemplado la campiña largo tiempo, antes de la salida del sol; sólo brillaba la estrella matutina, que parecía enorme. Daubigny y Rousseau han hecho eso, sin embargo, expresando toda la intimidad, así como la gran paz y majestad que tiene, y agregando un sentimiento tan conmovedor y personal. No aborrezco esta clase de emociones."

Carta V 593, 2 de Junio de 1889.

Imagen del cielo la noche del 18 de Juno de 1889


Astros en el cielo del cuadro Noche Estrellada

Estrellas de la Osa Mayor


Como te puedes dar cuenta la naturaleza le hablaba a sus emociones y el la plasmaba en sus cuadros.  En el cuadro hay 3 protagonistas, el cielo es el centro del cuadro y el más importante, pero el ciprés también por su posición en primer plano. Después está el pueblo de Saint Remy donde se pueden ver luces prendidas. Van Gogh tenía el gran talento de hacer cosas así, de poner tres elementos importantes en un cuadro. El cielo es el más importante porque tiene más espacio y es el cielo donde va nuestra primera mirada por el contraste de luz celestial. La luna está en su fase de cuarto menguante pero tiene mucha lucidez a su alrededor. En el cielo Van Gogh también pinto al planeta Venus, que está al lado del ciprés, con luminosidad blanca, para diferenciarlo de las estrellas. Igualmente se puede notar el viento en forma de olas en el medio del cielo.

La composición del cuadro no está basada en colores reales, dado la claridad de la ciudad. Se sabe que Van Gogh era aficionado a la astronomía y que leyó  Astronomía Popular de Camille Flammarion, que fue uno de los libros más importantes de la época.

En el cielo hay once estrellas. Van Gogh a la edad de 25 años quiso ser pastor, como su papá y por 2 años fue voluntario para el pastoreado así que  él tiene una base cristiana.  La Noche Estrellada tiene 11 estrellas y supuestamente representa un verso bíblico, basado en  Génesis (37:9)  Después José tuvo otro sueño y también se lo contó a sus hermanos. Les dijo —Miren, volví a tener otro sueño: el sol, la luna y once estrellas me hacían reverencias.

En el cuadro el sol y la luna parecen juntos. Igualmente hay historiadores que dicen que el cielo pintado en el cuadro, es basado en las constelaciones de Aries y Piscis.  Según la posición de la luna y las estrellas con el programa Stellarium, que permite recrear el cielo de cualquier fecha, se llegó a la conclusión que el cielo del cuadro pertenece al día 19 de septiembre a las 5AM. Pero sus cartas hablan que aparentemente fue pintado el 18 de junio, por las cartas a su hermano Theo, donde decía "Finalmente, tengo un paisaje con olivos y un nuevo estudio de cielo estrellado."

Carta V 595. 19 de junio de 1889.
Vincent van Gogh. CARTAS A THEO.

Van Gogh pinto este cuadro con turbulencias tal como estaba su mente. Se puede ver las turbulencias del viento y alrededor de la luna y las estrellas, estos trazos gruesos y opuestos de luz demuestran su nerviosismo. El pueblo se ve calmado creando una oposición con el cielo que esta movido con el viento y los trazos  gruesos. Este cuadro  fue pintado basado en la memoria y no en la realidad, dado que el pueblo de Saint Remy no se veía de su ventana. Además la torre de la iglesia era más típica de su pueblo en Holanda que de pueblo de Saint Remy. Pero también tenía bocetos de la ciudad de Saint Remy y posiblemente la pudo sacar de sus bocetos.

Ciudad de Saint Remy

Van Gogh, boceto de la ciudad de Saint Remy, 1889

Este cuadro no solo representa un paisaje también representa la muerte y la salvación. Dado que el ciprés simboliza la muerte, la iglesia representaría la salvación. Además, el ciprés y  la torre de la iglesia empiezan en la tierra y terminan en el cielo, un mensaje subliminal de la vida. Nacemos en la tierra pero nos vamos al cielo después de muertos.  

"Confieso que no sé qué pueda ser, pero la contemplación de las estrellas siempre me hace soñar, tan simplemente como me hacen soñar los puntos negros que representan en los mapas las ciudades y los pueblos. ¿Por qué, me pregunto, los puntos luminosos del firmamento habrían de sernos menos accesibles que los puntos negros en el mapa de Francia?
Así como tomamos el tren para trasladarnos a Tarascón o a Ruán, tomamos la muerte para viajar a una estrella. Lo verdaderamente cierto de este razonamiento es que, estando vivos, no podemos trasladarnos a una estrella; e igualmente, estando muertos, no podemos tomar el tren.
En fin, no me parece imposible que el cólera, el mal de piedra, la tisis, el cáncer, sean medios de locomoción celeste, como los barcos a vapor, los ómnibus y el ferrocarril lo son terrestres.
Morir tranquilamente de vejez sería como ir a pie."

Carta V 506. (29 de julio de 1888)
Vincent van Gogh. CARTAS A THEO.

Sus cartas hablan de viajes a las estrellas de muerto, por eso él ponía énfasis en la iluminación de las estrellas. Esta obra fue pintada en su estudio en el hospital psiquiátrico y no al aire libre como casi siempre él lo hacía,  por eso nos impacta más, porque puso más emoción y no realismo en el cuadro.     
 
Van Gogh, Terraza de Café por la Noche, 1888 

El Cafe de la Terraza en nuestros dias

Van Gogh, Noche Estrellada Sobre el Ródano, 1888

Se sabe que Van Gogh pinto este cuadro durante el día en su estudio en el hospital, pero también de dice que el pintaba en las noches con velas encima de su sombrero.
El primer cuadro de la trilogía de cuadros de noche fue Terraza de Café por la Noche, 1888 Donde el cielo estrellado toma importancia con brillantes estrellas.

El segundo cuadro de estrellas que pinto Van Gogh, fue  Noche Estrellada Sobre el Ródano, 1888, donde Van Gogh pinto la constelación la Osa Mayor, que nos dijo el mismo pintor en una de sus cartas a su hermano Theo.

Sofía me preguntaste, si la pintura es profunda, si es porque Van Gogh pinto la torre de la iglesia más pequeña creando así distancia y profundidad. No es superficial porque se puede ver que es basado en un paisaje real. A pesar que es un paisaje nocturno hay claridad en el cuadro y eso es lo que lo hace mágico, así que es oscuro pero claro a la vez. Tiene una dualidad impresionante. Si es una representación abierta porque es un paisaje.

Espero que mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpen



martes, 9 de febrero de 2016

Lectura de La Balsa de la Medusa

Gericault, La Balsa de la Medusa, 1818-19


Me gustaría saber más de la obra La Balsa de la Medusa. Marisel, San Juan, Puerto Rico

Gracias por tu pregunta Marisel. La Balsa de la Medusa (1818-19) es una pintura realizada por Théodore Géricault, se encuentra en el museo Louvre. Es su principal obra de las muchas buenas que realizó. Esta obra pertenece al movimiento Romanticismo,  donde se pone énfasis en una emoción rebelde  y los sentimientos. Esta obra es más grande que tamaño natural por su gran formato del cuadro, mide casi 5 metros de alto por 7 de ancho, (491 cm × 716 cm).  El nombre del cuadro viene de un hecho real, donde una fragata Méduse, encalla en la costa de Mauritania el 5 de julio de 1816. Gericault se entera de la fragata por un libro escrito por 2 de los sobrevivientes, Henry Savigny y Alexander Correard.

Plano de la balsa de la Medusa al momento del rescate de los sobrevivientes


Habían 410 personas en el barco francés, 160 de los cuales eran tripulación. Pero solo habían botes salvavidas para 250 personas.  Así que se construyó rápidamente una balsa para las 160 personas. Esa balsa se amarro al bote de los oficiales.  La balsa contenía un barril  de agua y varios barriles de vino que son tomados por los marinos se emborrachan y se amotinan, pero los oficiales matan a 63 hombres con los sables. Los muertos heridos y locos son arrojados al mar. Los oficiales cortan la soga que la tenía unida y la balsa se va a la deriva sin dirección. Después del cuarto día los náufragos empiezan a cortar partes de cuerpos de los muertos y comerlos. Los supervivientes pasaron hambre,  insolación, deshidratación, canibalismo y locura. El suceso llegó a ser un escándalo internacional, porque sus causas fueron atribuidas a la incompetencia del capitán francés que actuaba bajo la autoridad de la reciente monarquía francesa.


Gericault, boceto para Balsa de la Medusa

Gericault, boceto para Balsa de la Medusa

Gericault, boceto para Balsa de la Medusa

Con la ayuda de los 2 sobrevivientes Gericault reconstruyo una balsa en su estudio igual a la balsa real, para hacer el cuadro y su historia más realista.
El pintor  se demora 9 meses en pintar el cuadro, Correard uno de los sobrevivientes, posa para el cuadro. Un amigo Theodore Lebrun posa como el padre que agarra al hijo detrás de la barca. Para pintar más real el color de la piel de los muertos Gericault se presta  partes de cadáveres de un hospital vecino, cabezas, piernas, brazos y los visitantes a su estudio se quejan del olor. Gericault hizo la historia en 40 bocetos para ordenarlos y plasmarlos en el cuadro.


Gericault, La Ludopata, 1819-22

Gericault, El Cleptomano, 1822

Gericault, La Loca, 1822-28

El cuadro muestra la acción del 17 de julio cuando los sobrevivientes miran de lejos el barco Argus  y le gritan y se ponen contentos pero el barco no los recoge. “Desde el delirio de alegría, que cayó en un profundo abatimiento y la tristeza”. Dicho por uno de los sobrevivientes. Dos horas mas tarde el mismo barco Argus regresa y los recoge. Solo quedan solo 15 sobrevivientes y 5 de los cuales morirán en los días después. 

Gericault uso colores oscuros para dar una emoción más fuerte y fúnebre al espectador. Igualmente uso la forma de una pirámide, para dar estabilidad a la balsa. La cúspide de la pirámide es el muchacho negro que está parado en un barril flameando su camisa.
El mar se ve muy agitado por la ola a la izquierda y al frente. Se ve un cielo oscuro, negro y nublado para denotar tristeza. El pintor puso en la balsa todos los elementos para contar la historia muy bien. Se puede ver un barril de vino para hacer recordar la borrachera, igualmente también se puede ver una hacha, para denotar la pelea que hubo contra los oficiales. Se pueden ver 18 personas en la balsa, pero solo hay 15 que están vivos. Dos  eran guardados para comerlos y uno que era el hijo que su padre lo agarra.
Se puede ver claramente quienes están muertos. Uno en la parte izquierda solo tiene medio cuerpo, a ese ya se lo habían comido. El que está a la extrema derecha y que invade nuestro espacio también está muerto. Gericault pone todas las emociones y condiciones de estado físico y mental en la balsa.  El que está en el centro del cuadro boca abajo está casi moribundo. Sostiene una estaca de madera que aguanta al muerto. Otros solo observan y señalan al barco. Hay uno con las manos en la cabeza que no muestra ninguna emoción, probablemente casi desquiciado por la travesía. Hay algunos sentados enfermos, arrodillados y débiles que ni pueden pararse. En la parte trasera el padre agarrando a su hijo muerto, muy triste no hace ninguna reacción. Los más activos son los que están al frente moviendo sus camisas y gritando. Gericault quiso contar toda la historia de la travesía y lo hace muy sutilmente.

Gericault termino este cuadro a la edad de 28 años y murió a la edad de 32 años de una enfermedad muy dolorosa, que se piensa que fue cáncer a los huesos.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado. Las lecturas de obras maestras son las preguntas que me gustan responder.


Augusto Chimpen





sábado, 26 de diciembre de 2015

¿El artista nace o se hace?

Pablo Picasso, La Tragedia, 1903

Pablo Picasso, Figura en la Playa, 1931


¿El artista nace o se hace? Melany, Ixtapaluca, México.

Gracias por tu pregunta Melany. Siempre se dice que el artista nace y hay mucho cierto en eso. Pero me imagino que hay algunos, que quizás no nacieron para ser artistas. Pero les gustaba tanto el arte que quisieron ser artistas y siguieron esa carrera.  En el caso de Picasso, que a los 20 años ya estaba en su periodo azul, a los 23 años en su periodo rosado y a los 28 años origino el cubismo. Te puedes dar cuenta que Picasso, si nació para ser artista. 

Diego Rivera, Mujer Moliendo Maiz, 1924

Diego Rivera, Niña en Azul y Blanco, 1939

Igualmente Diego Rivera que empezó a estudiar arte a los 10 años en la academia de San Carlos en México DF. he impresiono a sus profesores, a los 21 años recibió una beca para estudiar en España y estudiar a los artistas Goya, El Greco y estudio en un estudio de los retratistas más importantes de
Madrid, Eduardo Chincharro. Rivera después se mudó a Paris a seguir aprendiendo más del arte de la época.


Botero, Caballo de Picador, 1992


Botero, Flores, 2006
Otro artista que nació para ser artista fue Botero que a los 16 años tuvo su primera exhibición colectiva y una de sus ilustraciones apareció en uno de los periódicos más importantes de Medellín. Jean Michel Basquiat tuvo su primera exhibición a los 20 años y a los 21 años tuvo su primera exhibición individual y se  vendió toda la exhibición, a los 25 años salió en la caratula de la revista dominical del New York Times, siendo el primer artista negro que sale en la caratula. Igualmente Georgia O’Keeffe, decidió a los 10 años  ser artista, a los 18 años estudio en la escuela del Art Institute of Chicago y a los 21 años con la obra Conejo Muerto con Olla de Cobre, gano una beca para estudiar arte.

Jean Michel Basquiat, Sin Titulo, 1982

Jean Michel Basquiat, Sin Titulo, 1982

Melany como te podrás cuenta estos artistas empezaron a temprana edad y se puede decir que estos artistas nacieron para ser artistas. Hay varios artistas que su primera profesión no fue la de artista y que después de haber tenido otros trabajos empezaron hacer arte y terminaron siendo buenos artistas. Voy a empezar con uno de los artistas más importantes de la segunda mitad del siglo XX, Andy Warhol, trabajo como artista comercial. Warhol trabajo  como ilustrador de  revistas como Glamour, Vogue, Seventeen y The New Yorker. Warhol gano varios premios como ilustrador comercial. Su primera exhibición de artes plásticas fue a la edad de 34 años. 

Georgia O'Keeffe, Conejo Muerto con Olla de Cobre, 1908

Georgia O' Keeffe, Lago George, 1922


Otro artista que es considerado y reconocido como el más reconocido artista  naive el mundo, Henri Rousseau. Primero este artista estudio leyes, después estuvo en el ejército por 4 años y después trabajo como colector de impuestos. Su primer cuadro importante lo pinto a la edad de 47 años,  Tigre en una Tormenta Tropical en 1891.

Warhol, Elvis 1 y II, 1963

Warhol, Sopa Campbell de Tomate, 1968

Pedro Figari otro artista que fue abogado primero y a sus 56 años se dedicó por completo a la pintura plástica. A los 64 años se mudó a Paris para experimentar las nuevas corrientes en el arte. La obra de Figari es una de las más importantes del arte latinoamericano. Para terminar la artista Grandma Moses, empezó a pintar a los 70 años y llego a ser la artista más importante de arte naive (arte sin estudios, un artista autodidacta) en Estados Unidos. A sus 89 años fue condecorada por el presidente Harry Truman.

Henri Rousseau, Tigre en una Tormenta Tropical, 1891

Henri Rousseau, El Sueño, 1910
Melany te podrás dar cuenta que algunos artistas nacieron para ser artistas, pero también hay otros que como te has dado cuenta empezaron muy tarde en su vida, eso quiere decir que no nacieron para ser artistas, pero se hicieron y llegaron a ser muy buenos artistas.  

Pedro Figari, Lamento, 1924

Pedro Figari, Candombe, 1925


Espero mi respuesta sea de tu agrado.



Augusto Chimpen


Grandma Moses, La Casa Vieja en la Curva de la Carretera, 1940

Grandma Moses, Paseo Alegre, 1953