Envia tu pregunta

Envia tu pregunta a preguntas.de.arte@gmail.com Puedes hacerte amigo en facebook www.facebook.com/pages/preguntas-de-arte/188783107818401 Pueden ver la entrevista que me hicieron en el programa CV Bien del canal 24 de Puerto Rico http://www.youtube.com/watch?v=3YztfjfGL6E&feature=player_embedded

Visita el blog de Javier Dominguez aqui, http://javierdominguezvalencia.blogspot.com/

Miembros

martes, 22 de abril de 2014

¿Como un pintor encuentra su lenguaje visual?

Jackson Pollock, Ritmo de Otoño, 1950

Alberto Giacometti, Hombre Caminando, 1960
¿Cuándo es que un pintor encuentra un lenguaje propio? La madurez plena, el lenguaje propio. Yaldo, Trujillo, Perú

Estimado Yaldo gracias por tu pregunta. Para un artista lo que más le vale es tener un lenguaje visual propio. Sin eso, no es un artista bueno. Porque un artista es un creador, no un imitador.

Lo que más que le importa a un artista es crear su mundo y transportarlo a su arte. Por eso que su lenguaje visual va ser su carta de presentación. Jackson Pollock tiene un lenguaje visual como nadie en el mundo. Ningún artista debe tener un lenguaje visual parecido a otro, si no ya no es propio, si no copiado y allí cae su arte, como copia y entonces ya no es original.

Jose Tola, Sin Título, 2002

Jose Tola, No Has Escuchado mis Sueños Mientras Dormias, 2012

Kcho, Al Borde del Abismo, 2004

Kcho, Rectificación del Curso, 2006
El lenguaje visual de Botero no se compara con el de nadie, es propio. Igualmente el de Carlos Cruz Diez, el de Jose Tola, Kcho, Ana Mercedes Hoyos, Guillermo Kuitca, Nadin Ospina, Christo, Mark Rothko, etc.  Tú no necesitas ver la etiqueta de la obra en el museo. Cada uno de estos artistas tiene un lenguaje visual muy propio y conocido.

¿Cuando uno se encuentra con su propio lenguaje visual? Creo que mirando obras de buenos artistas y viendo como ellos se han desarrollado y estudiando por que trabajan como trabajan. Apreciando la naturaleza que hay a nuestro alrededor. Trabajando muy duro, algunos artistas trabajan 14 horas diarias dibujando y pintando y pintando lo que más te gusta. Tienes que innovar, hacer algo nunca antes hecho.  Tienes que amar la naturaleza que es bella por sí sola. Apreciando la naturaleza y buscando inspiración en ella te va ayudar mucho.
En los años 50 Botero copiaba las obras maestras y las vendía para sobrevivir. Igualmente hizo Fernando de Szyszlo hacia replicas de obras famosas, para sobrevivir en Europa. Aparentemente es bueno copiar obras de grandes maestros para saber por qué pintan así y ser influenciados por ellos. Se dice que Botero en los años 60 cuando empezó a pintar tenias miles de dibujos y más de mil pinturas.

Carlos Cruz Diez, Physichromie 1345, 2001

Carlos Cruz Diez, Induccion Cromatica, 1974

Guillermo Kuitca, Esquina Infantil, 1994

Guillermo Kuitca, The Old Vic, 2004
Algunos pocos artistas comenzaron con su propio lenguaje visual desde un principio, Christo, Giacometti y Jean Michel Basquiat. Pero la gran mayoría han hecho transiciones hasta llegar a su lenguaje visual.

Lo que la mayoría de artistas hacen es poner sus emociones en su arte. Por ejemplo, Henry Moore en escultor más grande del siglo XX, lo único que hacía es hacer esculturas de mujeres. Eso es todo lo que él hizo. Picasso, casi siempre después del cubismo siempre trabajo con diseños que parecen hechos por niños. Botero hace desfiguraciones con personajes con sobrepeso. Giacometti hizo lo contrario, sus figuras eran desfiguraciones de personajes flacos en sus esculturas. “Yo no pinto lo que veo, pinto lo que pienso” decía Picasso. Porque los artistas no pintan lo que ven, si no lo crean. Botero dice, “si alguien me dice “un árbol”, yo no pienso en el árbol que uno ve en la naturaleza, inmediatamente pienso en un árbol pintado por alguien, cuando uno vive obsesionado con la pintura le puede suceder eso”. Eso pasa cuando uno piensa en cuadros y no en la naturaleza.

Fernando de Szyszlo, Habitación #23, 1997

Fernando de Szyszlo, Pasajero, 2001

Fernando de Szyszlo, Sol Negro, 1989
Igualmente hay que tomar algo como referencia que a uno le guste, así como lo hizo Henry Moore, que todas sus esculturas fueron de un solo tema, la mujer. O como Botero, que todo tenga volumen, o como Jackson Polllock, chorreo por todas partes, la formula es simple, pero encontrarla es difícil. Si copias a los grandes maestros, analizas sus obras, aprecias la naturaleza, sigues un tema que te gusta, trabajas 14 horas diarias, tengas miles de dibujos y oleos vas a encontrar tu lenguaje visual. Querer es poder, si te lo consigues lo vas a lograr.
La madurez plena se consigue años después que has conseguido tu lenguaje visual. Un artista es maduro a los 50 años.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.


Augusto Chimpen


Ana Mercedes Hoyos, Porcelana al Medio Dia, 1995

Ana Mercedes Hoyos, Palanquera, 2005

lunes, 31 de marzo de 2014

¿Por qué la Mona Lisa es tan importante?

Leonardo da Vinci, Ginevra de Benci, 1474- 76

Leonardo da Vinci, La Dama del Armiño, 1488-90

Leonardo da Vinci, La Belle Ferronniere, circa 1490
¿Por qué la Mona Lisa es tan importante? Habiendo tantos retratos de otras mujeres y tantas obras. Alondra,  México D.F., México.

Gracias por tu pregunta Alondra. El cuadro de la Mona Lisa es la pintura más famosa en la historia de la pintura.  Hay varias razones por la cual este retrato es tan famoso. Empezando por su misteriosa sonrisa que es lo que la hace famosa. Si tú miras su cara, principalmente sus ojos,  Mona Lisa esta sonriendo, pero si miras su boca no está sonriendo. Esto se debe a que si miras sus ojos, tu visión fóvea, la que mira los detalles, colores y letras, está viendo sus ojos y tu visión periférica es menos precisa y no reconoce detalles y observa las sombras de sus pómulos y hacen que se vea su sonrisa.

Leonardo da Vinci, La Mona Lisa, 1503-06
Igualmente la gran mayoría de retratos son hechos en el interior, pero Leonardo era diferente, el hizo este retrato con el interior y exterior. Mona Lisa está sentada en una silla con respaldar de brazos donde ella recuesta su brazo. Se puede ver la esquina del respaldar de la espalda en la parte derecha. Ella está sentada en el balcón y se puede ver el muro bajo del mismo puede ser de un apartamento en un tercer piso probablemente para tener una vista tan amplia y alta. Pero parece que estuviera en un piso 10 por la perspectiva aérea que tiene el cuadro. Ya empieza allí la imaginación de Leonardo.

Al estar Mona Lisa en un balcón Leonardo está jugando con lo interior y exterior y posiblemente este sea el único retrato de tanta importancia que tenga este juego. Leonardo pinto el paisaje detrás de la Mona Lisa, por razones filosóficas que la mujer es la madre tierra y el agua que se ve, es la fertilidad de la naturaleza. Cada detalle de esta obra fue puesto para hacerte pensar y dejarte asombrado.

Bronzino, Leonor de Toledo con su Hijo Giovanni de Medici, 1544-45
Al mirar el paisaje nos podemos dar cuenta rápidamente que es un paisaje fantasioso, dado que a pesar que hay bastante agua, no hay árboles, solo hay montañas de piedra, un camino encorvado a la izquierda que te lleva al rio. Igualmente en el paisaje hay 2 ríos uno con bastante caudal y el otro seco. En la parte derecha se puede ver el río seco, que inclusive tiene un puente. El puente termina casi donde empieza el chall de la Mona Lisa y su chall es como una catarata de agua, jugando con la naturaleza. Igualmente el chall hace juego con el camino hacia el rio que está en la parte izquierda. De esta manera Leonardo juega detalles de la Mona Lisa con la naturaleza para que haya interacción visual. El paisaje al ser fantasioso hace a la Mona Lisa real.

Igualmente te das cuenta que el paisaje es imaginario por los colores, al agua no es azul claro sino un azul muy oscuro, las piedras de la montaña igualmente son unos grises muy oscuros, que no se notan muy bien, si no que te los imaginas al no poder verlos claramente, el cielo verduzco. En la parte de arriba del paisaje es lo que parece ser un lago, pero el rio en la izquierda lo hace imposible porque el lago y el rio deben estar en el mismo nivel sino hubiera una cascada. Asea que detrás de la cabeza de la Mona Lisa supuestamente hay una cascada de agua. Como el paisaje detrás de la Mona Lisa es fantasía y ella está hecha de una manera realista. La Mona Lisa se hace real, como que si estuviera saliendo de la fantasía del paisaje. Leonardo nos está diciendo el paisaje es imaginario, ella es real.

Las arrugas de la manga fueron hechas con mucha tridimensionalidad para complementar con las montañas encima del camino. Creando así un dialogo entre el exterior y el interior donde está el observador.

La Mona Lisa con sus brazos y su cara tiene una forma piramidal, esto da estabilidad y entonces calma. Mona Lisa fue pintada cerca al plano bajo del cuadro, esto para acercarnos a ella y dar la impresión que estamos muy cerca de ella, y más con la lejanía del paisaje atrás de ella.  La posición de la mano derecha la hace de toque delicada, así Leonardo la impresión de su personalidad y por sus ojos alegres y su cara tiene confidencia en sí misma. Las manos fueron pintadas para complementar la cara con la técnica de esfumado, que fue inventada por Leonardo donde usa degradaciones de color para dar forma, sombras y crear profundidad.

Francois Gerard, Retrato de Catherine Starzeńska, 1803
Leonardo uso todos estos detalles y trucos para no aburrir al espectador, por esa razón de imaginación del paisaje y la mujer que parece real hace que el retrato te cautive Cada detalle de este cuadro es muy importante, para Leonardo los detalles eran muy importantes creando una totalidad, que nada se quedaba fuera del cuadro. Mona Lisa no tiene cejas porque era la moda en ese tiempo en Florencia. Hay una teoría que Mona Lisa tenia cejas y que se han borrado con el tiempo. Pero yo no creo esa teoría, porque hay otros 3 retratos de da Vinci y las cejas se ven muy bien todavía en esos 3 retratos.

En su cabeza tiene un velo fino y delicado para dar la impresión de refinamiento.  La pintura es asimétrica, esto para no aburrir al espectador. No tiene joyas para dar importancia a la belleza natural de ella. Mona Lisa da la impresión que está viva, que es de piel y sangre. Tú no la estás viendo, ella te está viendo a ti.

En Italia la conocen por la Gioconda, porque el esposo de la Mona Lisa es Francesco del Giocondo, un mercante de seda adinerado. En países ingleses se le conoce como Mona Lisa y en países de habla hispana se le conoce con los dos nombres. Mona es la forma cariñosa de Madonna en italiano, mi señora, madam o my lady en ingles.

Alondra si hay muchos retratos a través de la historia pero ninguno como la Mona Lisa por el misterio de la sonrisa, el paisaje fantasioso y el juego de interacción de la Mona Lisa con el paisaje.

Espero mi respuesta hay sido de tu agrado.

Augusto Chimpen


viernes, 14 de marzo de 2014

¿Por qué las obras de Vincent Van Gogh son importantes?

Gustav Courbet, El Taller del Pintor, 1855

Van Gogh, Un Par de Zapatos, 1886

Van Gogh, Par de Zapatos, 1886


Van Gogh, Zapatos, 1888


Van Gogh, Par de Zuecos, 1889

Van Gogh, Botas, 1887

¿Por qué las obras de Vincent Van Gogh son importantes? ¿Cuál es el contexto en que se han vuelto importantes para la historia del arte? Alondra, México D.F., México

Gracias Alondra por tu pregunta. La obra de van Gogh fue hecha cuando el arte estaba en una grande transformación. Desde el Renacimiento en 1390 hasta el movimiento Escuela de Barbizón en 1830, se pinto como se veía el mundo, se trataba de pintar para contar historias como si fueran fotografías. Desde el movimiento Realismo en 1840 con Edouard Manet y Gustav Courbet aunque la imagen era realista, la historia y los temas eran creados usando imágenes de cuadros antiguos que todos conocían. Eran alegorías creadas por los pintores. Una de los cuadros de este tipo es El Taller del Pintor de Gustave Courbet. Donde se puede ver la rodilla derecha del pintor está metida donde del cuadro que está pintando, uniendo así al artista con su obra. En la parte izquierda hay un mendigo, un judío, y gente de todos los niveles de la sociedad. En el lado derecho, están sus amigos, dos coleccionistas de sus obras, el poeta Charles Baudelaire y otras personas muy cercanas al pintor. En resumen, a la izquierda están los que viven de la miseria  y de la muerte, a la derecha los amigos y socios de Courbet y en el centro el artista pintando un paisaje con una modelo desnuda que es emblema de la costumbre artística de la escuela de arte.

Van Gogh, Afueras del Bosque, 1882

Van Gogh, Calavera con Cigarrillo, 1885

Van Gogh, Jarrón con Flores Silvestres, 1886

Van Gogh, Autorretrato, 1887
Este cuadro es una alegoría, pintado en una manera realista. Después del realismo vino el Impresionismo, donde por primera vez se pinto con brochas gruesas rompiendo así el realismo que se buscaba desde el Renacimiento hasta 1870 cuando empezó el impresionismo. El Post impresionismo de van Gogh fue más radical rompiendo más la imagen. En el Impresionismo se pinto con colores más claros, se hizo bodegones, paisajes, retratos, autorretratos, paisajes urbanos, etc. que no eran el tema que se pintaba en los movimientos anteriores. Los temas eran religiosos, históricos, mitológicos mayormente en el Neo-Clasicismo y Romanticismo. Si el impresionismo hizo algunos de los temas del Post Impresionismo, pero van Gogh lo llevo más lejos.

Van Gogh, Maceta de Ajos, 1887

Van Gogh, El Dormitorio de Van Gogh, 1888

Van Gogh, Doce Girasoles, 1888

Van Gogh, El Café de Noche, 1888
 Van Gogh al hacer cuadros de flores, paisajes, sus zapatos, su silla, un árbol, una calavera, su dormitorio y poniéndole su brocha más gruesa rompió el mundo real más que los impresionistas y por esa razón van Gogh es más importante que los impresionistas. Llevo más lejos el rompimiento de la figura. Uso colores más calientes,

Van Gogh, La Silla de Van Gogh, 1888

Van Gogh, La Silla de Gauguin, 1888

Van Gogh, Melocotonero en Flor, 1888
Alondra las razones por la cual las obras de van Gogh son importantes, es por los temas que pinto, por la brocha gruesa con las que hizo sus obras y por los colores calientes, amarillo, anaranjado, rojo, que mucho uso. Igualmente puso sus emociones en sus obras y eso da más impacto al espectador. Como el arte estaba en rápida transformación después de la invención de la fotografía, el próximo movimiento después del Post-Impresionismo fue el Fauvismo donde se cambio el color del mundo real, Matisse pinto arboles rojos, troncos de árboles azules, pasto amarillo, caras con machas verdes. Entones el último movimiento de la degradación del realismo que duro casi 500 años fue el Post-Impresionismo y su mayor exponente fue Van Gogh. Por eso su obra fue el punto final de la figura y el cambio hacia la abstracción.  Ese es el contexto por el cual van Gogh es tan importante en el mundo del arte.

Espero mi respuesta sea de tu agrado.


Augusto Chimpen


Van Gogh, Jardin del Hospital St. Paul en St. Remy, 1889

Van Gogh, Irises, 1889

miércoles, 19 de febrero de 2014

¿Qué tipo de esculturas son las que se están realizando en este siglo XXI?

Margarita Checa, Logos, 2008

Margarita Checa, Río Infinito, 2008

Victor Delfin, León 

Victor Delfin, Caballos

¿Qué tipo de esculturas son las que se están realizando en este siglo XXI? Juanma, Andalucía, España.

Gracias por tu pregunta Juanma. La producción de la escultura ha bajado mucho en el siglo XXI. Como realmente se hace una escultura es tallando la madera, el mármol, la piedra, con lo que se llama el método de substracción. Algunos artistas en este método son Margarita Checa, Alberto Patiño. El método de adición es cuando añades material a la escultura. Por ejemplo el escultor Victor Delfin, Edgar Negret, Cesar Cornejo, Louise Nevelson o Deborah Butterfield añaden mas material a su escultura, por eso se llama método de adición.  Una instalación no es considerada escultura. Una obra conceptual si podría ser considerada escultura dado que el artista añade objetos para dar una idea. Pero en realidad no es una escultura. Un ensamblaje si es escultura porque está pegado o  clavado junto y se ve como una sola escultura.

Edgar Negret, Estrella, 1994

Edgar Negret, Sol, 1985

Deborah Butterfield, Palma 1990

Deborah Butterfield, Manzanita, 2010
Juanma para responder tu pregunta, el tipo de escultura en el método de sustracción ha bajado mucho su producción. Son muy pocos los artistas que conozco que trabajan de esta manera. Margarita Checa, trabaja con madera mayormente. Alberto Patiño trabaja con piedra y madera. El arte conceptual ha subido en producción. Así que la escultura que más se hace ahora es tipo conceptual y no mucho la escultura de un solo material que es tallada.


Alberto Patiño, Cartera, 2013


Alberto Patiño, Bolsas de Papel, 2013

Alberto Patiño, Almohada, 2011


Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.


Augusto Chimpen

Sandra Gamarra, Tienda Museo LiMAC, 2012
Cesar Cornejo, Puno Moca, 2012
Fernando de Szyszlo, Cámara Ritual, 1999

Doris Salcedo, Plegaria Muda, 2008-10